Il 2024 sta per terminare e, prima di salutarlo, noi della redazione di DassCinemag abbiamo deciso di raccogliere i nostri film preferiti dell’anno in un articolo collettivo. Si tratta di una personale lista che fa riferimento a film usciti in Italia durante quest’anno che sta per chiudersi. E voi, li avete visti tutti?

IL RAGAZZO E L’AIRONE (Hayao Miyazaki)

Hayao Miyazaki non è solo un grande maestro di animazione, ma è forse uno dei più importanti registi viventi al mondo. Il ragazzo e l’airone riesce ad essere su più strati un grande raccoglitore coerente di storia e poetica dello studio Ghibli. Il piccolo Mahito si traveste da Dante per poter fare un viaggio nell’aldilà, l’airone il suo ambiguo Virgilio. Il processo di elaborazione del lutto assume una connotazione inedita, una sfumatura di grigio tra occidente e oriente figlio di più filosofie e più religioni. La poesia per immagini, accompagnata dalla colonna sonora del leggendario Joe Hisaishi, non ha bisogno di essere capita ad ogni costo, ma nemmeno di essere interpretata. Il film è l’eredità artistica di un gigante che spera solo di trovare il giusto destinatario pronto ad accoglierla, così che possa continuare il lavoro pluridecennale con l’adeguato rispetto per un passato così ricco.

Di Alessandro Viani.

PERFECT DAYS (Wim Wenders)

La luce che filtra tra le foglie degli alberi, un buon piatto caldo mangiato a fine giornata, la canzone giusta al momento giusto. La felicità è fatta di piccoli momenti “perfetti” nella vita di Hirayama, incastrata all’interno di una routine estremamente precisa. Wim Wenders ci porta nelle giornate di un silenzioso inserviente dei bagni pubblici di Tokyo – lavoro che svolge con pieno senso del dovere e un’apparente soddisfazione – al quale piace ascoltare musica, scattare foto e osservare ciò che lo circonda. Attraverso il suo sguardo, le sue abitudini e le sue reazioni agli “elementi di disturbo” che interrompono la metodicità della sua routine, scopriamo gradualmente il suo mondo interiore, fatto di una profondità e un’attenzione per i dettagli fuori dal comune. In una realtà frenetica come la nostra, il regista tedesco ci ricorda la bellezza del quotidiano attraverso il mantra del “qui e ora”, vero e proprio stile di vita per il protagonista. Arricchito da una memorabile colonna sonora fatta di grandi successi degli anni ’60 e ’70 e da una performance magistrale di Yakusho Koji, Perfect Days può essere considerato uno dei titoli più speciali dell’anno.

Di Giulia Mazzoneschi.

CIVIL WAR (Alex Garland)

Alex Garland e la A24 hanno provato a riscrivere l’immaginario americano. Pensate a quanti film mostrano americani contro americani. Davvero pochi. Civil War lo fa. E lo fa sfaldando il mito della guerra, il mito del protagonista eroico, il mito dell’America unita contro un nemico comune. La guerra non serve a creare un’identità nazionale. Con una forma di narrazione frammentata, episodica, Garland racconta il crollo personale dell’esperta fotoreporter Lee Smith, che si confronta con la nascita di un suo doppione, proprio di fronte a lei. Lee si rivede in Jessie, come in uno specchio, ed entra in crisi. E mentre la sua identità morale dà sempre meno sicurezze, il gruppo di giornalisti avanza contro il potere centrale di Wahington. Un progresso da Ovest a Est. È la frontiera che si mangia i territori controllati. Non sono gli Stati Uniti a prendersi ciò che sta oltre: è ciò che sta oltre a prendersi gli Stati Uniti.

Di Paolo Moscatelli.

ANORA (Sean Baker)

Anora si perde per le strade di Brooklyn mentre cerca sé stessa. Chi è davvero lei? La spogliarellista che sa esattamente come farsi desiderare o la donna che tra i meandri di braccia pronte a stringerla cerca affannosamente un reale contatto umano? Entrambi i suoi lati escono fuori prepotentemente, disperatamente, mentre conosce Vanja, un giovane ragazzo perso, esattamente come lei. I due non potrebbero essere così diversi, eppure, in folgoranti momenti di estasi in cui si annusano, si incastrano, si modellano, tentano quella spinta in più, provano a sdradicarsi per ricostruirsi. Anora probabilmente ce la farà, Vanja no. Sean Baker costruisce un film estremamente imprevedibile che riesce a giocare su due livelli: esplora i tumulti interiori della sua protagonista ma, al tempo stesso, riesce ad alleggerire il forte portato emotivo, creando una seconda linea narrativa incredibilmente ironica. Questa spinta ad andare oltre, a sperimentare modalità anticonvenzionali con le quali trattare tematiche come il sex work, rendono sicuramente Anora uno dei film più interessanti del 2024.

Di Francesca Nobili.

ESTRANEI (Andrew Haigh)

Siamo mai davvero soli? Del tutto isolati, in compagnia di nessun altro se non di noi stessi? Adam (Andrew Scott) ha perso tragicamente i genitori quando aveva una decina di anni. Adesso vive – da solo – in un appartamento nei sobborghi londinesi, lontano e distaccato dal flusso vorticoso della vita urbana. Nel palazzo di recente costruzione si crede per un po’ l’unico essere vivente, ma qualcun altro (Paul Mescal) ne attraversa gli spazi. La solitudine è per Adam condizione esistenziale, che lui stesso, d’altra parte, popola continuamente di “anime parlanti”, senza l’interazione con le quali la sua realtà mancherebbe di consistenza. Per Estranei, all’autore Andrew Haigh bastano quattro personaggi (interpretati con commovente vulnerabilità da Scott e Mescal e con calorosa tenerezza da Claire Foy e Jamie Bell), tre ambienti (due abitazioni – una nella disabitata periferia industriale, l’altra in un quartiere residenziale – e la linea metropolitana che le collega, splendidamente catturate dall’obiettivo di Jamie D. Ramsay) e due intramontabili hit anni Ottanta (Always on My Mind dei Pet Shop Boys e The Power of Love dei Frankie Goes to Hollywood) per regalare allo spettatore uno dei ritratti più universali dello “stare al mondo” che possa vedere sullo schermo.

Di Francesca Protano.

GLORIA! (Margherita Vicario)

Gloria alle donne, gloria alla musica, ma nessuna gloria all’istituzione che le ha sempre governate imponendo i suoi schemi rigidi e assurdi. Margherita Vicario omaggia l’arte che l’ha resa celebre e insieme proclama la rottura con un pensiero religioso che stava per decretarne la morte, immaginando un momento di liberazione totale dal regime di oppressione della Chiesa cattolica nei confronti delle donne. Protagonista del film è un gruppo di allieve di musica di un istituto religioso per orfane, guidate dalla giovanissima Teresa in un moto di ribellione pacifico e creativo. L’ambizioso progetto di Teresa per svincolare tutte le giovani allieve dal giogo dell’istituto e donare loro un’affermazione identitaria che neanche pensano di meritare è reso attraverso un’elegantissima coreografia di musiche, regia e interpretazioni che trova nella Vicario la perfetta burattinaia. Gloria! sorprende non solo per la cura e l’attenzione prestata per ogni comparto della sua realizzazione, ma anche per una freschezza inedita e preziosissima per l’attuale panorama cinematografico italiano.

Di Claudia Teti.

DUNE – PARTE 2 (Denis Villeneuve)

Denis Villeneuve compie l’impresa che David Lynch aveva abbozzato e che Jodorowsky aveva vagheggiato, lo fa con un sequel che estrapola tutto l’epos stipato nel primo film e ne esplode la latenza. La mitopoiesi di Dune si carica allora di suggestioni messianiche e di pathos veterotestamentario, passa per leviatani arenosi e oracoli delfici, inscena una taurokhatapsia iniziatica con gli Shai-Hulud, si insinua tra culti antichi e comunità profetiche scisse. Recupera anche tutto lo scenario politico intricato dell’esordio puntando su una risoluzione più muscolare e meno sotterranea, preferendo il corpo a corpo al camuffamento, riempiendo arene di sabbia e sporcandole di sangue, contrapponendo a un Paul Atreides dalla solennità riacquisita un Feyd-Rautha Harkonnen che Austin Butler restituisce nella sua ferocia asettica. L’asticella visiva si alza ulteriormente perché Villeneuve conferma di avere la peculiare abilità di rivitalizzare luoghi deserti, di stagliare silhouette in paesaggi sconfinati e costruire per mezzo di un gigantismo fantascientifico un sublime tecnologico che aveva già i suoi semi in Arrival.

Di Paolo Falletta.

PAST LIVES (Celine Song)

Inyeon (인연) significa provvidenza o destino, un concetto secondo cui tutto è collegato. Past Lives racconta di Nora e Hae Sung, due amici d’infanzia che si (ri)trovano dopo tanti anni. Nora ha costruito la propria vita negli Stati Uniti, diventando drammaturga e con una relazione stabile, Hae è rimasto in Corea del Sud per diventare ingegnere. Davanti ai due si apre un bivio lancinante, quello del “cosa sarebbe successo se…”, aprendo la loro mente ad un ampissimo numero di domande: se non fossi partita, se avessi scelto altri studi, un altro compagno. Celine Song parla delicatamente di identità attraverso le relazioni del quotidiano e al muoversi dentro ad una città (New York) che, a sua volta, diventa personaggio, o come il vivere in una determinata nazione ci edifichi. È un film di luoghi oltreché di persone, di emozioni che si intersecano dentro a degli spazi. «Se due sconosciuti si incrociano per strada e i loro vestiti inavvertitamente si sfiorano, significa che ci sono stati ottomila strati di inyeon tra di loro». È vero che tutto è collegato, ma quel “tutto” non possiamo averlo. E allora non si tratta mai di destino, si tratta sempre e solo di scelte.

Di Edoardo Marchetti.

THE APPRENTICE (Ali Abbasi)

Il film sorprendente del 2024 è lo straordinario The Apprentice di Ali Abbasi. Quello che sorprende di un film su Trump, in effetti, non può essere tanto la storia raccontata o il personaggio larger-than-life al centro della scena, che è super protagonista dentro il film quanto nella nostra vita quotidiana (e questo il film lo racconta benissimo, di quanto telegenico sia il tycoon).  A sorprendere è il fatto che in un dibattito pubblico iper polarizzato Abbasi (e Sherman) abbiano la voglia, il coraggio e la grande bravura di astrarsi dai giudizi politici più mediocri, per fare di un pezzo biografico del genere un ritratto rock e selvaggio dello spirito americano – da elemento esterno quale è il regista, mezzo danese mezzo iraniano – con una forza, un’energia e una disinvoltura appassionanti, che lasciano (per fortuna!) largamente delusi partigiani di ogni fazione. Non c’è esaltazione, non c’è demonizzazione: Trump è un epifenomeno sociale straordinariamente semplice e complesso allo stesso tempo, geniale e affascinante quanto repulsivo e spiazzante, perfettamente comprensibile eppure sfuggente. E le due interpretazioni di Stan, e soprattutto di Strong nei panni di un mefistofelico avvocato maccartista, insieme a una musica a dir poco calzante e incalzante, creano un mix difficilmente dimenticabile. 

Di Gabriele Mutatempo.

CATTIVERIE A DOMICILIO (Thea Sharrock)

Cosa succede quando un whodunit à la Agatha Christie incontra il tagliente humour inglese? È quello che esplora Thea Sharrock con il suo Cattiverie a domicilio. Delle lettere dal contenuto osceno iniziano a sconvolgere la tranquillità della bigotta e conservatrice Edith (Olivia Colman) e di Littlehampton, la cittadina della costa sud britannica che fa da ambientazione agli eventi. Un crimine, questo, di cui è ritenuta colpevole Rose (Jessie Buckley), una giovane irlandese da tutti guardata con sospetto per il suo sottrarsi al moralismo puritano a cui si piegano i suoi concittadini. Cattiverie a domicilio è un’irriverente satira al femminile, in grado di cogliere le ipocrisie dell’Inghilterra reazionaria, perbenista e machista a cavallo tra le due guerre, un paese in cui sembra non esserci spazio per il diritto all’autodeterminazione. E lo fa sapendo trovare un perfetto equilibrio tra leggerezza e dramma, con un cast d’eccezione capace di dare vivacità e brio ad una sceneggiatura altrimenti troppo ingessata.

Di Francesca Gentile.

LIBRE (Mélanie Laurent)

Sono tanti i film degni di nota ad aver calcato la scena cinematografica del 2024 e tra questi spicca Libre, l’opera seconda di Mélanie Laurent, che ha debuttato all’ultima Festa del Cinema di Roma. Al centro della vicenda è la memorabile vita di un insolito criminale, Bruno Sulak, divenuto molto noto non tanto per le sue innumerevoli rapine, quanto piuttosto per la sua bonarietà e per il piacevole vizio di non fare mai vittime. I rimandi all’avanguardia francese, la brillantezza dei dialoghi e, non per ultimo, l’eccezionale lavoro sugli attori hanno reso il film difficile da dimenticare. Ma ciò che più colpisce è la recitazione. Infatti, affiancare un attore già affermato come Lucas Bravo non è certo un compito facile, eppure Léa Luce Busato riesce a farlo benissimo. Qua la regista ha scovato una vera e propria stella, infatti, sebbene fosse una delle sue prime esperienze sul set, la giovane attrice italo-francese riesce a regalarci una performance incredibile, che emerge per una marcata naturalezza e sensualità. Il ruolo di Annie le calza a pennello, ma è la sua grande personalità a rendere il suo ricordo indelebile. Il suo talento fa il resto e la lancia improvvisamente nel grande cinema. Qui Mélanie Laurent ha sfornato una vera chicca da riguardare costantemente, per ricordarci che, a volte, basta una storia semplice per fare grande cinema.

Di Leone Bulgari.

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Tre regole. Regola 1: attacca, attacca, attacca. Regola 2: non ammettere niente, nega ogni cosa. Ed infine, regola 3: dichiara vittoria e non ammettere mai la sconfitta. La Bibbia di Donald Trump è tutta qui, e The Apprentice – Alle origini di Trump (trailer), il nuovo film del regista iraniano-danese Ali Abbasi, ce la racconta in quello che, più che essere biopic sul politico in tempo di elezioni, è una vigorosa ricostruzione dello spirito americano che l’attuale candidato alla presidenza degli Stati Uniti ha incarnato nella sua ascesa al potere.

Abbasi, ma soprattutto il giornalista Gabriel Sherman alla sceneggiatura, scelgono di mostrarci anche il Trump meno conosciuto, quello precedente alla ribalta e al clamore mediatico che lo circonda da diversi decenni, approfondendo insicurezze, contraddizioni e ambiguità che una figura così sfaccettata (solo all’apparenza maledettamente semplice) si porta dietro. Quasi non riuscendo però a ritrarsi dall’iconicità irresistibile della sua figura fisica, replicata, smontata, diventata maschera e quindi parodia di sé stessa, The Apprentice finisce per raccontarci poi come si costruisce quella figura, tornando alla superficie dell’immagine tipica e quasi simulacrale di Trump.

Il film copre un arco temporale che più o meno va dagli anni Settanta agli anni Ottanta, il periodo in cui il rampollo della famiglia Trump (un bravissimo e mimetico Sebastian Stan) diventa ricco magnate del mercato immobiliare, imparando le regole del gioco grazie agli insegnamenti del pesce grosso dell’establishment statunitense Roy Cohn (Jeremy Strong). Questo percorso di formazione, che non affronta direttamente – per fortuna – le vicende politiche dell’imprenditore, è profondamente radicato nella società in cui germina, come è ben chiaro dall’incipit fulminante. Inizia significativamente con un famoso discorso di Richard Nixon dopo lo scandalo del Watergate, a collegare la sfera politica e quella dell’attualità del tempo con la “nascita” del fenomeno Trump. Ma Trump, che politico non nasce, emerge in scena solo successivamente, in modo improvviso e scatenato, nella New York trafficata dei tombini fumanti alla Taxi Driver e con il sottofondo selvaggio di una musica rock.

La scelta migliore di Abbasi è raccontare un personaggio così mediatizzato principalmente come un fenomeno di costume, una materializzazione dello zeitgeist associato agli sviluppi dei media da lui cavalcati, come la televisione: e quindi fa della rappresentazione una questione tutta estetica, modaiola, impacchettata da una grana di pellicola che ricrea l’immaginario analogico del periodo. Il modo in cui inquadra Trump nella sua prima apparizione – come nel resto del film – è intelligentissimo, e ce lo restituisce prima di tutto come attore comunicativo, quello che siamo ormai bravi a riconoscere nelle sue smorfiette insolenti, nelle labbra corrucciate e nel ciuffo biondo.

E ne fa una questione estetica, appunto, soprattutto perché nella logica edonista americana che la storia vuole raccontarci – e nella personalità del protagonista – non c’è etica. Nonostante l’iniziale versione empatica di un giovane Donald Trump un po’ impacciato, quasi ridicolo e ambizioso sembri suggerirci la parvenza di un residuo umano dietro alla maschera inscalfibile, il “patto con il diavolo” con il mentore Roy Cohn cambia per sempre la sua vita e stabilisce le coordinate della sua (non) morale. L’imbattibile avvocato del maccartismo – interpretato da uno straordinario Jeremy Strong, che con la sua schiena ricurva e l’espressione imbambolata ruba l’occhio quasi più di Sebastian Stan – è un luciferino maestro di estetica vincente, di mindset – come diremmo oggi rubando il lessico a Tiktok – che scolpisce passo dopo passo l’aura dell’apprendista business man Trump.

Da quando il Donald trentenne mette piede nella stanza privata del club dove si trova Roy insieme ad altri ricchi yes man, ripresa come fosse un conciliabolo infernale, impara che l’etica non conta nulla per arrivare dove vuole, al vertice alla catena alimentare. Nell’arrembante America reaganiana (prefigurazione ideale di quella trumpiana), il killer Roy sa che «non conta niente a parte che vincere», e per riuscirci sa altrettanto che non esiste verità o finzione, solo opportunismo profittevole e amorale.

Trump, iniziato al culto egomaniaco del successo, diventa quindi una macchina inarrestabile di guadagni e conquiste, sdegnandosi di qualsiasi traccia di umanità (anche verso gli affetti più stretti) e trasformandosi nel predatore insaziabile di una priapica e fotogenica vittoria. L’ossessione per creare palazzi «più alti delle Torri Gemelle», la presenza del suo nome dappertutto (Trump è un brand, persino nei regali agli amici), l’esasperata ricerca di un’integrità virile (a nascondere una frustrante impotenza sessuale) e di una perfezione fasulla (i numerosi interventi chirurgici), sono tutti aspetti della personalità del tycoon che lasciano trasparire una cura per l’estetica a tratti puberale e grottesca.

Il Trump politico che oggi conosciamo, per ciò che suggerisce il film, è prosecuzione naturale dei precetti imparati sotto la guida di Roy Cohn, di quella mentalità tutta improntata all’estetica e all’astuzia che risponde alle regole di “attaccare” sempre, di “negare” sempre e “non ammettere mai” la sconfitta. È figlio di quell’«attacca-attacca-attacca» come mantra imperterrito, che sembra già fare da precursore al «fight–fight–fight» pronunciato dopo essere miracolosamente sopravvissuto all’attentato di Butler di quest’anno; o di quella convinzione per cui non esistono verità ma neanche bugie (semmai alternative truths), ed in fondo tutto è ammesso nel gioco politico; o ancora della presenza invadente di tribunali e questioni legali nella narrazione, che compone il suo immaginario odierno di processi e contrasti con la legge (già qui dice che l’America «è una Nazione di uomini, non di leggi»).

Nonostante il rischio di girare un’opera polarizzante da “clima delle elezioni” il risultato finale riesce a essere molto ponderato e ben studiato. Abbasi e Sherman, come dicevamo, riescono a stare sempre a metà tra smascheramento grottesco e percorso antropologico eccellente sul personaggio Trump e il sottobosco in cui si muove, ambiente che con il procedere del film si fa vero inferno, con il mutaforma (letteralmente) Donald che da curioso discepolo prende lo scettro del mefistofelico sovrano. Il ritratto di un politico così sopra le righe non è mai deliberatamente parodico o irrisorio come ad esempio quello di George W. Bush in W., né è mai retorica agiografia, ma mantiene un approccio simil documentaristico – grazie anche all’uso dinamico della camera a mano – che ha in sé il ritmo travolgente della commedia e la sfrontatezza del gangster movie scorsesiano.

Per raccontare Donald Trump, non c’era modo migliore che farlo tramite gli strumenti con cui la nostra idea di Donald Trump si è affermata nell’immaginario collettivo, e cioè attraverso l’estetica televisiva degli anni in cui diventava il personaggio pubblico che ha conquistato la società americana. Non c’era neanche bisogno di spiegare poi come sarebbe andato a finire nei nostri anni: i prodromi del Trump politico, come abbiamo visto, stavano tutti là. E non solo nel lui da giovane, ma anche negli Stati Uniti d’America che lo hanno creato.

Al cinema dal 17 ottobre.

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