Regista: Adam Leon

Anno: 2016

Durata: 83 minuti

Nazionalità: Stati Uniti

Cast: Callum Turner, Grace Van Patten

I due protagonisti, Danny (Callum Turner) e Ellie (Grace Van Patten) intraprendono un viaggio insieme per affari loschi con tanto di scambio di valigette con contenuti sospetti. La vicenda serve come set-up per la caratterizzazione dei personaggi e come cornice per la narrazione.
Tramps è una screwball commedy raccontata in chiave newyorchese.
La screwball comedy è una commedia di situazione, a metà tra la sophisticated comedy e la farsa incentrata sull’incontro/scontro fra personaggi inizialmente antagonisti che inevitabilmente finiscono per innamorarsi, dopo essere passati attraverso una serie di eventi spesso bizzarri e paradossali. È caratterizzata da dialoghi dal ritmo incalzante e dall’umorismo raffinato. Una celebre definizione del genere è quella di Andrew Sarris: «sex comedies without the sex». Tramps ripropone questi espedienti, rivalutando i cliché e rinnovando il genere attraverso ingegnose risorse registiche e drammaturgiche.

La regia voyeuristica di Adam Leon (autore stesso della sceneggiatura) fa uso di tele-obiettivi e zoomate lente che oltre a dare un particolare effetto comico alle scene, creano tensione fra lo spettatore e il profilmico. La sensazione che questo tipo di regia produce non è tanto quella guardare un film, piuttosto quella di spiare i personaggi. Questa strategia crea un ulteriore distanza fra il pubblico e i personaggi, il che paradossalmente, finisce per produrre curiosità ed empatia nello spettatore.
Inoltre, i due protagonisti di Tramps portano una boccata di aria fresca alla scena cinematografica indipendente. La giovanissima coppia di attori americani è la colonna portante del film e la principale fonte di conflitto della vicenda: le interpretazioni spensierate producono una sorta di nonchalance adolescenziale che dà al film un tono giovanile e un ritmo ben marcato.

Gianluca Mazzanti

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Regista: Paul Dugdale

Anno: 2016

Durata: 105’

Nazionalità: Regno Unito

Cast: Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Ronnie Wood

Categoria: Roma11, Selezione Ufficiale

I Rolling Stones sono tornati a invadere il cinema. Dopo svariate incursioni nel corso degli anni (tra documentari, omaggi, interpretazioni e camei) è il regista Paul Dugdale a far vibrare di nuovo i potenti riff di chitarra delle loro canzoni con il documentario The Rolling Stones Olé Olé Olé! : A Trip Across Latin America, un vero e proprio on the road itinerante alla scoperta del misterioso ed affascinante Sudamerica, in una cavalcata selvaggia tra contraddizioni e meraviglie ancora inesplorate. Attingendo a piene mani da una grammatica visiva tipica delle avanguardie anni ’60-’70, Dugdale segue ufficialmente gli Stones durante il loro ultimo tour: dieci tappe passando dal Cile all’Argentina, all’Uruguay, il Messico, il Perù fino alla meta definitiva. Quel concerto gratuito tenutosi il 25 marzo 2016 a Cuba ha segnato uno spartiacque nella storia del paese, segnando la sua definitiva apertura verso nuovi orizzonti dopo ottant’anni di embarghi, divieti e privazioni.

Questo documentario è la conferma ulteriore che nel mondo ci sono ancora troppi paesi che cercano di digerire anni di oppressioni – e repressioni – attraverso la libertà d’espressione, incarnata dalla musica (spesso rock, con la sua vena anarchica), ma soprattutto che I Rolling Stones, dopo cinquant’anni di carriera e settant’anni d’età, possono ancora ricoprire il loro ruolo di “sciamani onorari del Rock ‘n’ Roll” con la propria carica sovversiva, eccessiva, dirompente e sfacciata.

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Il regista ha scelto di raccontare quattro anni molto difficili e controversi della vita della Polonia, dal 1949 al 1952, un periodo molto problematico durante il quale la sovietizzazione del paese fu più radicale e il realismo socialista divenne l’unica possibilità espressiva a cui potevano attingere gli artisti. E la presenza incombente ed oppressiva del regime socialista Wajda la evidenzia sin dai primi minuti, quando il protagonista Wladyslaw Strzemiński, artista, intento a cominciare a dipingere una tela bianca nella sua casa, vede “un velo di luce” rossa tingere tutto: un manifesto socialista è stato srotolato davanti alla sua finestra. Come non vedere in queste immagini una metafora dell’intrusione soffocante del socialismo nella vita di tutti i giorni e nell’arte?

Il colore rosso ritorna diverse volte all’interno del film ed ha anche diversi significati. Non è un caso, ad esempio, che il cappotto della bambina, figlia di Strzemiński, sia rosso (e la mente subito va a Schindler’s List di Spielberg), ma il rosso è anche il colore della cravatta datale dalla scuola per la parata; il colore della politica, quindi. E politica significa coinvolgimento, passione. E passione vuol dire sentimento. L’amore è un aspetto presente sotto varie forme nel film. Amore per l’arte, amore per le proprie idee, amore paterno, amore passionale. L’amore e l’Arte dialogano a due voci pronte a confondersi in più d’un momento: lo si può percepire prima tra Strzemiński e sua moglie (scultrice), rievocati a parole in un turbinio di passione e riforma rivoluzionaria post – modernista, poi tra il pittore e la sua giovane allieva; quest’ultimo, pur restando un sentimento a livello platonico, si concretizza nell’oggetto dello sguardo dei due innamorati. Entrambi fissano l’Arte: lui la considera la sua amante, mentre lei si innamora del suo maestro – pittore innescando le immortali dinamiche freudiane del transfert.

Un altro aspetto largamente affrontato e denunciato dal film è il potere. Potere come totalitarismo che nega la libertà di espressione e usa l’arte come mezzo per esprimere e divulgare le proprie idee politiche. Non è un caso quindi che il concetto di negazione sia accompagnato dal concetto di morte. O meglio, la morte nel film viene rappresentata come negazione, assenza del corpo, riportando quindi ad una interpretazione di base e letterale del concetto stesso. I morti non si vedono all’interno del film; ciò che denuncia la loro presenza è la loro assenza. Negazione di libera espressione quindi, ma anche mancanza di libertà stessa, con la conseguente assenza di idee e arte e, quindi, di vita. L’unica cosa che potrebbe aiutare l’uomo a riprendersi la propria libertà è l’Arte, ormai però assoggettata al potere. Chi non rispetta tale obbligo viene cancellato: interrotte le lezioni di storia dell’arte, espulso dall’Accademia e dall’Unione degli Artisti, a Strzemiński viene via via negata una vita, viene gradualmente cancellato in una crudele damnatio memoriae simile ad un incubo kafkiano. La sua vita gli viene sottratta, così come la sua minestra di patate (che si può, plausibilmente, interpretare come un rimando a I mangiatori di patate di Van Gogh, incarnazione delle difficoltà affrontate della gente comune ed oggetto di una lezione accademica di Strzemiński). L’Essere è e non può non Essere; il Non Essere non è e non può Essere: assiomi filosofici che costituiscono l’ossatura di Powidoki – Immagini Residue: tutte assenze che testimoniano, solo suggerendola, l’esistenza di qualcosa che è stato e che gridano la presenza di un forte potere oppressivo.

Clara Giannini e Ludovica Ottaviani

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